如何看懂一幅世界名画
发布时间：1714426915
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如何看懂一幅世界名画
作者：陈铁梅
来源：《中国中小学美术》2019年第02期
看懂一幅画，关键在于追问。
追问，能使我们不断接近真相。所以，当我们面对一幅画的时候，就可以通过追问各种各样的问题，让自己既看到画面上所表现的内容又读懂隐藏在画面之外的历史、政治、隐喻、内涵、精神、境界等。通常可以从以下层面进行。一、画了什么——走近一步，读画本身最重要
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面对一幅画作，我们首先要关注的，不是画作的名声，而是画作本身，因为它才是揭示所有真相的核心，也是它之所以有名的本质所在。面对画作，我们要走近一步，靠近它。而这种靠近，不只是用眼睛扫描画面内容的身体靠近，更是凝神去搜寻其中细节的内心靠近。当我们在观看一幅画的时候，首先会问自己：画中画了什么？是人物？是风景？是动物？是花卉？还是抽象？如果画的是人物，那么画面中的人物是谁？（哪个时代、哪个地区或者国家的人）他（他们）在做什么？如果画的是风景，那么风景里有些什么？有山？是什么样的山？是哪里的山、哪种地貌的山？以此类推，画面内容就在一系列追问中被揭示出来了。而有趣的發现，往往出现在对细节的追问中。比如，画面上有哪些细节？这些细节究竟表达的是什么？这是画家无意落下的，还是有意为之？或者是否暗藏某种隐喻和玄机呢？追问至此，“看”正在慢慢演变成一种阅读、品读。
如果想要揭示更多真相，可以把画作放在一起做比较。比较的层面有很多，可以是不同表现手法的画作之间的比较、不同绘画风格画作之间的比较、同一时期的不同国家的画作之间比较，也可以是同一国家不同时间画作之间的比较。这一层面的追问，是如实观察、描述我们直接看到的一切，所以必须充分尊重和相信自己的眼睛。二、怎么画的——站在原地，像画家一样思考
第二层面的追问，需要一定的美术知识作为支撑，我们要像画家一样思考，用美术技能技法解释，逐层揭开画作的神秘面纱。
我们在欣赏西洋画的时候，大致会从其构图、色彩、光影、笔触和透视等方面进行思考与追问。比如，画面上的物象，是画家恰巧看到的样子？还是画家精心“设的局”？画家为什么要安排这道光？画面这些凹凸不平的颜料，是不是可有可无？为什么我们能一眼就知道谁是画面的主角？
这些问题涉及的都是西洋画中的知识。比如，典型的构图形式，包括三角形、平行四边形、“S”形、十字架形、圆形、对角形、辐射状等。画家会将这些构图通过物象之间的勾连，若隐若现地呈现在我们面前。同时，画家很多时候会将多种构图形式综合在一起.以表达更为复杂的视觉效应和情感。西方画家很重视对光影的表达，以强化空间层次，表达立体虚实。比如光影大师伦勃朗和维米尔，虽然伦勃朗喜欢用人造光营造舞台剧一样的动感美，维米尔喜欢用自然光表现日常生活的静态美。笔触往往是画家性格、情绪、思想、态度的表现。（图1）凡·高的《向日葵》-例，他用刮刀直接把颜料刮到画布上，形成短促、激烈的笔触，由此我们强烈感受他激动的心情、躁动的心理（图2）。在西洋画中，透视常被画家用来表现画作的纵深感，聚焦中心人物或者主题。例如拉斐尔的《雅典学院》，如果我们沿着人群背后的建筑轮廓线画出一条条虚线，将地面地砖的纵向线也作虚线延伸，就会发现一个神奇的现象，那就是这些虚线会聚焦到一个焦点，中心人物苏格拉底和柏拉图就在这焦点上。而达·芬奇的《最后
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的晚餐》也是如此突出了耶稣，让我们第一时间聚焦到他身上。这种透视规律，称为焦点透视，是西方绘画一种严格的科学体系。
此时，我们会发现，以上这些追问方向似乎不太适合中国画。因为中国画有着与西洋绘画不同的欣赏角度，中国画的透视似乎不能聚焦到一个点？墨和颜色怎样“和谐相处”组成画面的？中国画通常有画家的落款、题诗，对读画有何作用？这些问题其实就对应了中国画中的知识，比如散点透视、墨色、构图、诗书印等。
中国画家很喜欢一边走一边画，所以，中国画的透视是移动式的，这称为散点透视。宋代的郭熙在画论《林泉高致》中，把中国山水画的透视归纳为“三远”，即“高远”“深远”“平远”。很多时候，中国画家会将“三远”综合运用在一张山水画中。
中国水墨画有“墨分五色”的说法，也就是画家巧妙地将墨与水进行调和，分出“焦、浓、重、淡、清”等色彩效果，从而呈现出层次丰富的墨色变化。例如徐渭的《墨葡萄》（图3），墨色多变且丰富，充分表现了藤、叶以及葡萄的质感和立体感。当然，中国画也有通过设色来表现画家的理解、情感。例如《千里江山图》，是典型的青绿山水，王希孟通过浑厚凝重而不腻浊、清丽鲜明而不单薄的色彩表现出金碧辉煌的效果。
中国画在构图中重视“留白”，这是画家有意留下的一个想象空间，配合着画面主体而存在。留白的地方，可以是天空、水流、山石等任何东西，甚至就是为气氛而存在。例如朱耷的《荷花水鸟图》，一只水鸟站立在怪石之上，一枝枯荷垂挂在水鸟的头上，其他都是空白。而这空白并非毫无意义，而是与枯荷、翻白眼的水鸟一起，成了凄冷、孤傲感觉的营造者，共同营造了空旷寂寥的气氛。
另外，读中国画，也需要读画上的诗词、书法和钤印。留在画面上的诗词，往往是画家的心声，读懂诗词，能帮助我们理解画家和他的画。例如徐渭在《墨葡萄》题写下了“墨点无多泪点多”的诗句，一下子点穿了他的不得志。
画面上的书法，往往起到画龙点睛的效果。例如赵佶在《芙蓉锦鸡图》中的独创书法“瘦金体”，让我们看到了一个不善朝政的皇帝的艺术才华。而钤印的印文及其金石之美，则又为画面添上了别样的精彩。（图4）
当我们在解读抽象画作时，则发现还得需要另一种追问方向——抽象画为什么看不懂呢？很简单，因为有些抽象画家压根儿就没考虑我们是否看懂，“像”与“不像”不是他追求的目标，他的全部注意力都在于自己——对传统美学的挑战、对社会形态的反思、对个人情感的强烈觉察，然后想尽办法以自己喜欢的、最适合的，并不同于任何人的方式表现出来。“我”是画作的主人，创作之前是这样，创作过程中和创作之后也是这样。
而有些抽象画是画家“玩”出来的。为了表达自我，抽象画家们采用他能想到的、喜欢的方式和材料进行创作，而这一过程，往往采用实验性的游戏来进行，例如波洛克，他喜欢将黄
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色、白色、栗色、黑色等颜料，与石块、沙子、铁钉和碎玻璃一起往画面上堆、滴、揉、搓、摔。然后，把自己“催眠”——闷着头，像祭祀的舞蹈那样，进行着肘部、肩部、腰部、腿部的运动，把全身心“扑”在画面上作画，产生即兴、随意，让主观达到顶峰的抽象主义绘画。三、为什么画——退后一步，跳到画外看画内
实现读画到品画的跨越，第三层面的追问是重要的助推器，那就是做一次思维运动——退后一步，跳到画面之外，从相关领域进行一次刨根问底，这会使我们获得一双“ 